布朗庫西《納西索斯之泉》、畢加索《繆斯》、杜尚《自行車輪》、夏加爾《雙重肖像和一杯葡萄酒》、康定斯基《光》、柯布西耶《靜物畫》、布列松《圣拉扎爾車站背后》、賈科梅蒂《威尼斯女人V》……但凡提及20世紀西方現代藝術，這些藝術家始終是無法繞過的名字。10月11日，“蓬皮杜現代藝術大師展”星光熠熠，首次將這些“出現在教科書中的名字”匯聚上海，共展示來自蓬皮杜藝術中心的71件館藏。其中，62件作品已于東京展出過，另有9件作品則首次亮相。據介紹，此次展出作品總價值達40億元，刷新了民營企業引入“大師展”的歷年紀錄。
展覽以“年”為單位 在每一塊“碑林式”的展墻上展示一位（組）藝術家的作品
“一年一人一作”書寫西方現代藝術史
用蓬皮杜藝術中心主席塞爾日·拉維尼的話來概括，這場天價藝術展具備“教科書般”的意義。實際上，要在10萬余件現當代館藏中找出數十件作品，以梳理西方現代藝術史的確不易。兩位展覽策展人——巴黎國立畢加索博物館館長羅朗·樂朋，以及巴黎國立畢加索博物館藏品和制作部副總監克萊爾·卡尼爾給出的策展方案是“按時間排序，一人（組）一作”。其具體做法是，在1906年至1977年中，每年選擇一位(組)藝術家的作品進行展出，而這件作品必須是在法國創作的。之所以劃定這72年，主要是和蓬皮杜藝術中心的歷史息息相關。據介紹，蓬皮杜收藏的最早的一件作品約是1905年創作的，而1977年是它的開館元年。不過，展覽為1945年處流出空白，并用艾迪特·皮雅芙演唱的《玫瑰人生》替代作品，以此來代表戰爭對藝術的干預，并用歌聲來紀念戰爭的結束。
1945年是正常展覽唯一一處空白展墻，艾迪特·皮雅芙演唱的《玫瑰人生》在現場播放
展墻的另一面以紅、黃、紅、藍、綠做背景色，為每一件作品作以文字介紹。
在提出策展理念后，如何在1200平方米的空間中展出所有71件作品，成了策展團隊的另一個挑戰。最終，他們采取了“為每一年豎一塊碑”的形式。展墻的一面用來展示作品，另一面則呈現藝術家的語錄或個人介紹。據本次展覽的主辦方——上海天協文化發展有限公司(下稱天協文化)總經理謝定偉表示，這種布展方式是“在螺螄殼里做道場”，它不僅解決了空間問題，也能展示蓬皮杜的視覺標志——在展墻的“介紹面”部分采用黃、紅、藍、綠做背景色，它們是蓬皮杜藝術中心外部管道的顏色。活動現場，觀眾每移動至一面新的展墻，都順移一年，沿著“S型”的觀展線路直至最后。
下面，我們在“40億”里聊幾件重要作品，快來認領你的“男（女）神”
《掛著旗子的街道》，1906，勞爾·杜飛，布面油畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
法國藝術家勞爾·杜飛1877年出生于諾曼底的勒阿弗爾，尤其擅長風景和靜物畫，其早期作品先后受印象派和立體派影響，終以野獸派的作品著名。1906年，杜飛創作了幾張有關家鄉國慶慶典場面的作品，比如這張《掛著旗子的街道》。可以看出，他受到印象派畫家克勞德·莫奈《蒙特吉爾街》(1878年)的啟發，以多面旗幟慶祝國慶——旗幟是杜飛創作生涯中的常用元素之一。不過，杜飛在構圖上采用平視視角，巨大的法國國旗遮擋了部分街景;畫面下方是一些渺小的行人，與之對比。
《自行車輪》，1913—1964，馬塞爾·杜尚，現成藝術
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
馬塞爾·杜尚生于1887年，是紐約“達達主義”的團體的核心人物。有評論指出，西方現代藝術，尤其是戰后藝術，從某方面來說是“沿著杜尚的思想軌跡行進的”。杜尚最為人熟知的作品是《泉》：1917年，他從商店買來男用小便池，匿名送往美國展出。什么是藝術?藝術品的界限在哪里?藝術的原動力是什么?杜尚的做法挑動了藝界神經，并影響至今。
1915年，杜尚將上述“日常物”充當“藝術品”的做法稱為“現成藝術”。此次展出的《自行車輪》最早創作于1913年。是早期“現成藝術”的一例。在這件作品中，杜尚近乎“輕而易舉”回應藝術：先顛倒自行車輪，再將其放置在廚房高腳凳上——作品就完成了。在西方藝術史上，杜尚是一位飽受爭議的人物：有人認為他是實驗藝術的先驅，也有人稱他“嘲弄藝術”。不過，他的確是西方現代藝術史上最重要的一員。
《雙重肖像和一杯葡萄酒》，1917—1918，馬克·夏加爾，布面油畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
馬克·夏加爾于1887年生于一個俄國的猶太家庭。夏卡爾的同年十分貧困，猶太人在當時的俄國受到歧視，在他很多作品中，描繪著俄國鄉村的場景，迷信的鄉民、牛、羊、雞、馬等景致，這是留存于藝術家青少年時期的最初印象。
1911年，夏加爾來到巴黎，此后那里稱為他主要的創作中心。第一任妻子貝拉激發了他對于愛的描繪。然而，他為妻子創作的畫像并不多見。在此次展出的《雙重肖像和一杯葡萄酒》中，夏加爾坐在身著婚紗的貝拉肩上，高舉葡萄酒杯。這件作品創作于他和貝拉結婚兩年之后，是反映幸福婚姻的代表作之一。
《埃菲爾鐵塔》，1926，羅伯特·德勞內，布面油畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
法國畫家羅伯特·德勞內出生于1885年，他是最早創作純抽象作品的畫家之一。1910-1911年，他運用“點彩派”的色點圖案，創作作品《城市之窗，第4號》，是現代繪畫中的第一件抽象作品。同期，他開始創作“埃菲爾鐵塔”系列，并一直延續至1926年。此次展出這件《埃菲爾鐵塔》，是該系列“收官之年”的作品，德勞內采用了仰視的視角，突出了埃菲爾鐵塔的高大，不同的色塊組接想象中的鐵塔形象。
《浴缸邊的裸女》，1931，波納爾，布面油畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
波納爾是“納比派”的創始人之一，被譽為“20世紀最偉大的色彩畫家之一”。波納爾善于把握空間、光線、色彩、構圖等繪畫元素。此次展出的作品《浴缸邊的裸女》是藝術家畫的他的妻子瑪爾特。畫中，瑪爾特正轉過身子，似乎沉浸在思緒之中。輕柔明亮的筆觸，讓她皮膚上的金色愈加明麗，這也是波納爾展現女性軀體美的慣用手法之一。
波納爾與瑪爾特相識于1893年，自此，她常常出現在畫里。盡管有資料稱兩人的階層并不相匹配，且瑪爾特的自閉讓波納爾的朋友”并不看好他們的關系“，但瑪爾特依然是波納爾的繆斯。
《圣拉扎爾車站背后》，1932，布列松，攝影
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
亨利·卡蒂埃-布列松身上擁有太多光環：20世紀最偉大的攝影家之一;街頭紀實攝影之父;現代新聞攝影之父;瑪格南圖片社創始者之一;他的作品和“決定性瞬間”攝影理論影響了無數后繼的攝影人。1929年，哈里·克羅斯比送給了他人生的第一只相機，《圣拉扎爾車站背后》便是用這部萊卡相機所拍攝的。布列松對作品出色的構圖在這個作品里也可見一斑。這種帶有戲劇性的黑白攝影，正是布列松作品的特點，典型的法國派。
《繆斯》，1935，巴布羅·魯伊斯·畢加索，鉛筆、印刷字母及布面油畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
提到畢加索的作品，總繞不過他豐富的情感軼事，其中包括這幅作品中的人物瑪麗-特蕾莎·沃爾特。1927年，畢加索對年僅17歲的瑪麗-特蕾莎·沃爾特一見鐘情，并和其交往。1935年9月，她為畢加索生下第一個女兒，這件《繆斯》是特蕾莎·沃爾特懷孕時創作的。畫中描繪了兩個女人，一個女人在睡覺;另一個則對著鏡子在畫畫。這件作品已在全球多場著名展覽中展出。
《四片葉子和三片花瓣》，1939，亞歷山大·考爾德，金屬板、涂色金屬棒和電線
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
亞歷山大·考爾德，美國著名的雕塑家、藝術家，現代“動態雕塑”之父。考爾德是一位“學理工的藝術男”，他于1898年生于美國費城，其祖父和父親都是雕塑家。1919年，考爾德在機械工程系畢業，為日后“動態雕塑”打下基礎。1929年，他用鐵絲完成了第一件動力雕塑作品《金魚缸》。之后，在杜尚的鼓勵下，他創作了動態的作品《航行》和相對靜態卻“微微顫動”作品《羽毛》。
1937-1945年，考爾德非常活躍，他創作了近百件“活動雕塑”，創作領域覆蓋鋼鐵雕塑、繪畫、掛氈到精致的寶石設計等。此次展出的《四片葉子和三片花瓣》創作于1939年，是為布朗克斯動物園內的非洲展區創作。作品的形態和輕靈的材質，讓人聯想到樹上隨風擺動的樹葉和花瓣，抽象的機械美感中體現了自然的詩意。
《威尼斯女人V》，1956，賈科梅蒂，青銅
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
目前，世界上最貴的雕塑出自賈科梅蒂。男人頭部、女人像和“行走的人”是他最核心的三大領域。其中尤以消瘦人像著名。這些作品大多創作于二戰之后，他將纖細的作品不斷放大、縮小或拉長，其表皮如經腐蝕一般坑坑洼洼。此次展出的《威尼斯女人V》是典型的瘦削作品，其身形很長，底座卻很厚實，纖弱的軀干給人“力量感”。
《加布里埃·香奈兒，服裝師，巴黎，1958年3月6日》，1958，艾維頓，攝影
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
《加布里埃·香奈兒，服裝師，巴黎，1958年3月6日》捕捉的是75歲的可可·香奈兒抬頭望著天，脖子向外探出，露出了她的皺紋和已露老態的皮膚。艾維頓的作品可以看到那些名人真實、自然的另一面。六七十年代，可可·香奈兒、奧黛麗·赫本、艾森豪威爾、瑪麗蓮·夢露等一系列作品，為艾維頓作為20世紀最具影響力的攝影師之一奠定了基礎。
《阿尼(陰影)》，1967—1968，維克托·瓦薩雷里，膠板拼貼畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
“歐普藝術”之父維克托·瓦薩雷里在二十世紀四十年代起便開始研究蒙德里安、康定斯基的作品和理論，并對色彩理論、知覺和幻覺的發展歷史進行了思考。在其后期作品中，他運用大量圓、橢圓、正方形等幾何圖形，創作一系列“規則化”的抽象作品。在這次展出的作品《阿尼(陰影)》中，瓦薩雷里根據每一個圓形和方形的不同位置為它們打上陰影，再加上對背景色的巧妙運用，像萬花筒一樣呈現所有色彩的可能性。
《攪拌場》，1973，讓·杜布菲，繪畫
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
讓·杜布菲是二戰后“巴黎派”主要畫家之一。1948年，杜布菲與幾位藝術家首次創立“原生藝術協會”，并形成獨特的“原生藝術”風格，三年后協會解散，但他卻堅持創作。1962年，杜布菲形成著名的“烏爾盧普”風格，作品流露出少兒單純繪畫或街頭涂鴉的隨意性。此次展出的作品《攪拌場》是“烏爾盧普”風格的代表作，畫中，杜布菲使用藍色、紅色、白色和黑色，形成不穩定的、跳躍的、生機勃勃的結構。
《巴黎蓬皮杜藝術中心研究模型》，1971—1977，皮亞諾&羅杰斯，塑料、金屬和木
© Adagp, Paris 1867, Fontenay-aux-Roses - 1947, Le Cannet
巴黎蓬皮杜藝術中心研究模型是本次展出的最后一件作品。1971年，蓬皮杜中心向全國公開征集建筑的設計方案。倫佐·皮亞諾、理查德·羅杰斯和意大利建筑家吉安方克·法蘭鍥尼一起投稿。盡管那時他們只是初出茅廬的新人，卻最終脫穎而出。
從模型上來看，蓬皮杜中心的核心是將建筑的“內部”變成外部，展現了一個頗為現代、錯綜復雜的開放結構。為了強調趣味性，他們根據功能的不同將裸露在外的管道漆成了不同的顏色，后變成了一個色彩繽紛的、面向所有人的地標性文化廣場。
除了上面這些，以下作品也同樣精彩：
喬治·布拉克 《萊克斯灣》（1907）布面油畫 1984年由路易斯與米歇·克里斯捐贈
莫里斯·德·弗拉芒克《河岸》（1909）布面油畫 1929年購得并歸入法國國家現代藝術博物館/工業創意中心館藏
羅杰·德·拉·弗雷斯內伊《胸甲騎兵》（1910-1911）布面油畫 1938年購入
阿爾伯特·馬爾凱《魯昂的巴黎碼頭》（1912）布面油畫
雷蒙·杜尚-維庸《馬》（1914/1976）黑漆青銅
阿爾伯特·格雷茲《戰爭之歌》（1915）布面油畫
皮埃爾·亞伯特-畢侯《戰爭》（1916）布面油畫
阿爾貝托·馬涅利 《抒情爆炸八號》（1918）布面油畫
讓·普尼《紅色小提琴》（1919）紙本裝裱于畫布
亨利·勞倫斯 《女人頭像》（1920 ）紅陶
曼·雷 《杜尚的剃發》（約1920）溴化銀明膠玻璃負片
歐仁·弗雷西內 《奧利機場的飛艇庫》（1921）35毫米黑白膠片
勒·柯布西耶《靜物畫》（1922）布面油畫
左：羅伯特·馬萊-史蒂文斯《椅子》（1923-1925）
右：讓·普魯威 （1924） 《可傾斜的椅子》涂色金屬板結構，帆布座背
安德烈·柯特茲《咖啡館》（1927）明膠銀鹽印像
藤田嗣治《自畫像》（ 1928）布面水粉油畫
薩賀芬·路易斯 《天堂之樹》（約1929）布面油畫
瓦西里·康定斯基《輕》（ 1930）紙板油漆畫
帕布羅·加加羅《先知》（ 1933-1936）青銅
奧托·弗倫德里希 《我的天空是紅色的》（1933）布面油畫
讓·高蘭 《凹線組成的新造型主義繪畫32號》（1934）涂漆木板油畫
布拉塞 《1937年世博會期間點亮的埃菲爾鐵塔》（1937）明膠銀鹽印像
維克多·布羅納 《無題》（1938）硬紙板油、墨畫
瑪麗·羅蘭珊 《法蘭西島》（1940）布面油畫
亨利·馬蒂斯 《黃與藍的室內》（1946 ）布面油畫
雅克·維勒格萊《鋼絲，海盜之路，圣馬洛》 （1947）
喬治·魯奧《雙人像》（1948）膠合板油畫
尼古拉·德·斯塔埃爾 《構成》（1949）布面油畫
貝爾納·布菲 《室內》（1950）布面油畫
讓·阿爾普 《Hurlou》（1951）石膏
謝爾蓋·波利雅科夫 《無題》（1952）布面油畫
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